g.WaSa     -     Was für eine Sprache! Voll Kraft und Klang! : „... eine Sprache von Stein, ... gleichsam gereimte Quader  ... aus den Spalten  quellen rote Blumen hervor wie Blutstropfen“, hatte Heine von dem Werk des unbekannten Dichters geschwärmt. Vermutlich war es ein gebildeter Kleriker, der irgendwo zwischen Passau und Wien, wahrscheinlich zwischen 1200 und 1204, das "Nibelungenlied" geschaffen hat, ein Sprachkunstwerk, das bis heute alle Nachahmungen in den Schatten stellt. Ohnehin sind unter den unzähligen „Nibelungen“-Nach-Dichtern nur zwei, die einen bleibenden Eindruck hinterließen;  beide im Jahr 1813 geboren, beide haben um 1850 mit ihrem Nibelungen-Werk begonnen und lange daran gearbeitet:

Friedrich Hebbel hat 10 Jahre lang an seinem „deutschen Trauerspiel“ in drei Teilen für zwei Abende geschrieben. Inhaltlich lehnen sich seine „Nibelungen“ eng an das alte Lied an; allerdings wirken seine ordentlich-klassich rhythmisierten Blankverse gegenüber dem Original geradezu betulich.  

Vier Abende, 16 Stunden: der ganze Ring ist eine Herausforderung auch für trainierte Opernfans. Von den Opernhäusern und ihrem Personal mal ganz abgesehen. Das renommierte Hamburger Thalia-Theater hatte jetzt den skurrilen Ehrgeiz, da noch einen drauf zu setzen! Der – von der Kritik gern gelobte – Hausregisseur Antú Romero Nunes inszeniert ein Großprojekt:

Aber nach 40 Minuten haben die Riesen Wotans neue Götterburg fertiggebaut („prächtig prahlt der prangende Bau“); und nun folgt noch ein kleines darstellerisches Highlight: das Minenspiel Wotans (Rafael Stachowiak), als (die hierher vorgezogene) Brünnhilde ihn warnt: „Fricka kommt!“  Und ein retardierendes Momentchen: Kriemhild wird aus dem 2. Teil importiert, um ihren Verzicht auf Liebe zu beschwören. Aber dann kann’s endlich losgehen, mit dem Streit um Fricka als Bezahlung für die Bauleute. Um Fricka?, fragen Sie? – Aha: Wagnerianer (oder Alt-Germanist)! Ja, Fricka und Freia sind hier ein und dieselbe (Bärbel Schwarz). Und so wundert Mann sich ein bisschen, wie sehr der Götter-Häuptling um die Göttin kämpft, anstatt froh zu sein, diese Xanthippe günstig an Fafner loszuwerden.

Dieses Personalsparmodell soll nicht das einzige bleiben. Auch Mime wird von Alberich mitgespielt – was weniger problematisch ist als die Zusammenfassung Freias und Frickas, die beiden sind eh Brüder und Alberich geistert ohnehin als so eine Art moderierendes Mädchen für alles durch den ganzen Abend (André Szymanski).

Klar – die Summierung von Wagner und Hebbel macht massive Kürzungen unabdingbar. Und wenn die christlichen Burgunderkönige ... äh ... Ger(e)not und Giselher sind ja gestrichen ... wenn also der christliche Burgunderkönig Gunther (Rafael Stachowiak) auf heidnische Schwarzalben und Rheintöchter prallt, dann sind Brüche ja wohl unvermeidbar ... 

Fragen wir immerhin, mit welchen Mitteln Nunes sein Spektakel gestaltet:

Mit Stimmungen, Bildern, Assoziationen: diese „deutscheste aller Sagen“ kommt zeitweise daher wie ein „Game of Thrones“.

Mit Späßchen und Kalauern. – Mein Favorit: Als Brünnhilde ihrem frischangetrauten Gemahl  Gunther – anstatt mit ihm das Kamasutra durchzuexerzieren – erstmal die Grautöne beibringt, indem sie ihn gefesselt  an einen Nagel an der Schlafzimmerwand hängt, stöhnen die Burgunder, die mit ihrem Frühstück auf den verhinderten König warten müssen: „Dieser Spät-Burgunder. Wo der wohl wieder rumhängt!“

Manchmal werden aus den Späßchen allerdings (ich behaupte mal: unnötige) Peinlich- und Geschmacklosigkeiten: Auf dem Weg in eine Pause hörte ich einen ca. 18-jährigen sagen: „Schon krass, wie Siegfried die Unterhose Brünnhildes als Tarnkappe benutzt“; es klang erstaunt-entsetzt. Da hatte der junge Mann noch nicht gesehen, wie König Etzel in Gestalt seines eigenen Boten (zur Erinnerung: Personalsparmodell) an den Thron des Burgunderkönigs pinkelt.

Mit Anspielungen und Zitaten: von Kubrick (s.o.) bis zu Grimms Märchen: die Verwandtschaft von Brünnhild- und Dornröschen-Motiv liegt auf der Hand. Aber Kriemhilde als Schneewittchen („Wer hat aus meinem Tellerchen gegessen?“) ? –

Ich als manischer Zitate-Jäger war vor allem von folgender Stelle begeistert:

Als Wotan nach Loge ruft, damit der Brünnhilde durch einen Feuerwall schütze, antwortet der: „Ich war immer hier. Ich war nie weg“. Das sagt in Taboris „Mein Kampf“ der jüdische Gott Jahwe alias Koscher-Koch Lobkowitz aus seinem Versteck heraus, als der von Himmlers Nazi-Rüpeln drangsalierte Schlomo Herzl nach ihm fragt. Dieses Zitat aus dem wahrscheinlich jüdischsten aller Stücke des Juden Tabori – eine Boshaftigkeit gegen den Antisemiten Wagner? („Wagner war in so vielen Sachen ein Arschloch“, soll Nunes vor der Premiere, gerade auch im Hinblick auf den Antisemitismus, gesagt haben.)

Schließlich: Nunes‘ wertvollste Waffe im Kampf gegen die Belanglosigkeit: Das phänomenale Darsteller-Ensemble des Thalia-Theaters!  Wenn ich mich in den 6 ½ Stunden kaum einmal gelangweilt habe, so lag das zu einem guten Teil an der insgesamt faszinierenden Schauspielerleistung. Und wenn ich mal unter einer Länge  gelitten habe (vor allem bei der akademisch-kalauernden „Einführung in das Nibelungenlied“), dann lag das gewiss nicht an Thomas Niehaus, der als Rüdiger/Etzel sein Mögliches getan hat, diesen germanistischen Proseminarvortrag nicht allzu einschläfernd von der Bühne tröpfeln zu lassen. 

Und endlich: wesentliches Instrument jedes Regisseurs und als solches von den Darstellern nur schwer zu trennen: Die Sprache, welche die Vorlagen zur Verfügung stellen. Oder die Sprache, die man sich selbst aus den Vorlagen zusammenstellt. Da hat Nunes nun freilich einiges zur Auswahl!  Um auf meine Eingangsbemerkung zurückzukommen: die sprachmächtigste Grundlage seiner Inszenierung bleibt nun mal das alte Nibelungenlied. Deshalb ist es nur konsequent, wenn er sich im letzten Teil – „Kriemhilds Rache“ – immer weiter entfernt von Hebbels gleichnamigem dritten Teil der Trilogie. Stattdessen schließt sich der eiserne Vorhang, davor versammeln sich die Protagonisten des Abends, um die alten Lied-Strophen  zu deklamieren. Kraftvoller epischer Vortrag anstelle braven dramatischen Agierens – vielleicht der beste Einfall dieses Nibelungen-Konvoluts!

Und zu guter Letzt: der größte Fehler der Inszenierung: dass an einigen Stellen doch noch die Musik Wagners eingespielt wird. Da wird einem jedes Mal so richtig bewusst, was dieser  Aufführung Wagnerscher Texte doch fehlt!